Art, Strasbourg

Marine Froeliger
Plurimédia, mésologie et transmission
Marine Frœliger élabore une recherche-création protéiforme, questionnant la mésologie et la transmission au travers de projets artistiques, curatoriaux et de médiation. Diplômée de l’ÉSAL Épinal, de la HEAD Genève (master Arts visuels TRANS) et de l’Université de Genève (Didactique de la discipline Arts visuels), elle privilégie la co-création et la rencontre avec des altérités. Au delà de projets situés « attentionnés », développés sur plusieurs années via le terrain et ses acteur·rices, elle développe une pratique d’atelier au travers d’« Ourobouros », une suite d’éléments plurimédia pour constellations narratives.
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Anne Laforet
Science de l’information et communication
Critique et artiste, Anne Laforet est docteur en sciences de l’information et de la communication. Ses thématiques de recherche sont principalement la conservation et la documentation des arts numériques, les relations entre analogique et numérique, l’internet, le logiciel libre et les pratiques artistiques collaboratives. Auteure du livre Le net art au musée. Stratégies de conservation des oeuvres en ligne (2011), elle a participé activement au projet européen Digital art conservation à l’Espace Multimédia Gantner et à la HEAR de 2010 à 2012. Elle a été chercheure associée au laboratoire art audio Locus Sonus de 2011 à 2013.
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Francisco Ruiz de Infante
Multimédia
Né en 1966 à Vitoria-Gasteiz (Espagne). Artiste hors-format, il appartient à une génération dont la sensibilité est marquée par la confrontation des machines audiovisuelles avec les matériaux les plus simples, voire les plus quotidiens. Il jongle sans complexes entre la haute technologie et le bricolage d’urgence pour construire ses installations, ses performances et ses films. Dans son œuvre, il reconstruit la manière dont fonctionne la mémoire lorsqu’elle nourrit le présent : par saccades pleines d’erreurs d’information, ou comme un torrent d’images qui recommencent sans fin. Francisco questionne quelques états éphémères (présent/passé/futur), quelques espaces instables, plusieurs dualités faussement ressemblantes (réel/imaginaire) et plusieurs complexes accélérateurs de l’inconscient… parmi lesquels, évidemment le corps. Il a exposé des projets importants au Musée Guggenheim Bilbao, au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, au Reina Sofía de Madrid, à la Kunst-halle de Bonn, au PAC de Milan, au Stedelijk Museum d’Amsterdam, à la Ferme du Buisson (Noisiel-Paris), à la Biennal Site SANTA FE (USA), au ZKM de Karlsruhe, la Kunst-Halle de Bonn, à la EFT de Buenos Aires…
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Sandrine Israël-Jost
Esthétique
Titulaire d’un doctorat de philosophie, sa thèse a porté sur le concept de contingence, travaillé notamment à partir de Nietzsche. Publications sur Georges Bataille, Guy Debord, Sade, Jean-Luc Nancy, etc. Elle enseigne à la HEAR depuis 2004, après avoir enseigné en tant qu’ATER et chargée de cours au département de philosophie de l’université de Strasbourg.

Stéphane Lallemand
Volume
Après une formation d’ébéniste, intègre la HEAR (alors École des arts décoratifs de Strasbourg) en atelier Sculpture. Brevet de Compagnon de sculpture statuaire, diplôme de Sculpture et DNSEP Art en 1985. Nombreuses expositions en France et à l’étranger (musée d’Art moderne de la ville de Paris, Elac Lyon, Mamco Genève, musée d’Art moderne de Taipei, musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg, Musée Ingres Montauban, Musée Unterlinden Colmar…).
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Gérard Starck
Volume
Sculpteur, diplômé de la HEAR (alors École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg) et détenteur du brevet de compagnon en statuaire. Son attention se porte principalement sur la matérialité du dessin dans l’espace, sur les qualités intrinsèques de la forme visible et audible. Dessiner avec le plein de la sculpture, le vide du lieu.

Nicolas Schneider
Moulage

Sandrine Israël-Jost
Esthétique
Titulaire d’un doctorat de philosophie, sa thèse a porté sur le concept de contingence, travaillé notamment à partir de Nietzsche. Publications sur Georges Bataille, Guy Debord, Sade, Jean-Luc Nancy, etc. Elle enseigne à la HEAR depuis 2004, après avoir enseigné en tant qu’ATER et chargée de cours au département de philosophie de l’université de Strasbourg.

Oh Eun Lee
Animation
Après avoir étudié la littérature et les religions comparées en Corée, Oh Eun Lee suit un cursus artistique aux Beaux-Arts de Perpignan, à la HEAD – Genève, puis au Fresnoy. Intéressée par le monde des images en mouvement, elle exprime son désir d’écrire en donnant vie aux choses inertes au travers d’univers 2D ou 3D avec des logiciels comme Maya ou After Effect. Elle collabore avec d’autres artistes et accompagne les étudiants aussi bien artistiquement que techniquement.
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Jérôme Thomas
Vidéo
Après des études à l’école supérieure des Beaux- Arts de Nancy, à l’Accademia Di Brera de Milan et au Fresnoy Studio national des arts contemporains de Tourcoing, Jérôme Thomas réalise surtout des films tournés en pellicule et vidéo. Il est question dans son travail entres autres, d’éviter l’inflation anecdotique du particulier, du local, et de préserver le caractère d’abstraction d’une entreprise qui consiste moins à “raconter une histoire” qu’à proposer une méditation sur le sentiment diffus de mondes parallèles. Il diffuse son travail dans plus de 300 lieux à l’international, à deux reprises à la quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes, au Taipei Golden Horse Film Festival où il remporte le “Prix du meilleur film étranger”… Parallèlement il a créé et dirigé une société de production et de postproduction de films. Pour la DRAC Lorraine et Champagne Ardenne, il a dirigé pendant quinze ans une centaine de projets du collège à l’université en passant par les écoles d’art et a organisé des expositions en France et en Allemagne. Il prépare depuis trois ans son premier long-métrage de fiction.

Cyrille Bret
Historien de l’art
Cyrille Bret est historien de l’art, professeur à la HEAR (unité de recherche FAIRE-MONDES), après avoir été ATER à l’université Lyon 2. Croisant l’anthropologie et la sociologie pragmatique, sa démarche vise à décrire les situations d’interactions qui forment les modes d’existence des œuvres. Ses travaux portent sur les enjeux du vivant dans l’art contemporain, l’agentivité des objets, le rôle de la partition ou du protocole dans les pratiques artistiques, les matrices plasticognitives et les reconfigurations critiques liées à la globalisation. Il est l’auteur de l’essai, Robert Filliou et sa recherche (Inter éditeur, 2010), et a codirigé les ouvrages Hervé Youmbi And Beyond (HEAR, 2019) ainsi qu’Objets à l’état vif (Les Presses du réel / HEAR, à paraître en 2023). Il a travaillé pour l’Institut d’art contemporain de Villeurbanne, le mac^LYON, la Biennale de Lyon, et a été commissaire d’événements autour de la performance littéraire (Inter’actions, Subsistances de Lyon, 2003 ; Grammasonic, Centre Culturel Suisse de Paris, 2005). Enfin, il est poète, membre de la revue et du collectif Boxon (Lyon) depuis 1998.

Alain Della Negra
Vidéo
Né en 1975. La question de la voix occupe une place centrale dans sa production. Il travaille avec Kaori Kinoshita depuis 2005. Cette collaboration questionne, entre autres, les liens qu’entretiennent les individus avec leurs doubles virtuels ou avatars (long-métrage documentaire The cat, the reverend and the slave, 2010). Leurs films, produits par Capricci Films, sont montrés dans des festivals (Belfort, Rotterdam, Lisbonne, FID à Marseille), à la télévision (France 2, Canal+) ou édités en DVD (Écart production, Capricci). Ils participent à des expositions de groupe en France et à l’étranger (Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, Centre Pompidou, Jeu de Paume, Palais de Tokyo, Fondation Ricard, IAC à Lyon, Casino du Luxembourg, Haifa Museum of Art).

Nicolas Fourgeaud
Historien de l’art
Auteur d’une thèse portant sur les théories du document de performance de 1960 à nos jours, il travaille plus généralement sur les usages du document dans les pratiques artistiques modernes et contemporaines. Il est aussi critique et commissaire d’exposition.

Mathieu Boisadan
Peinture
Né en 1977. Sa démarche procède d’un double désir de confronter sa réalité à celle de l’histoire de la peinture. Son intérêt pour l’histoire contemporaine lui fait construire d’étonnantes visions où la violence des conflits est contrebalancée par un traitement chromatique doux, exempt de «couleur locale». Des réminiscences de ses fréquents voyages en Europe Centrale et de la peinture russe du 19ème siècle — celle de Mikaïl Nesterov lui donnant envie d’éclaircir sa palette — nourrissent ses œuvres les plus récentes. En multipliant les sources d’inspiration, il décrit une trajectoire à la fois documentée et imaginaire qui ouvre sur des mondes à la tonalité onirique. Représenté par la Galerie Patricia Dorfmann, Paris ; Lauréat du Prix Antoine marin 2017…
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Emmanuelle Castellan
Peinture et dessin
La manière dont Emmanuelle Castellan utilise la peinture n’est ni abstraite ni figurative. Elle conçoit son sujet au-delà des limites matérielles du support et obtient ainsi une représentation décentrée, un débordement de peinture sur les murs, des coupures et des déchirures sur la toile, qui lui confèrent une dimension presque informelle, dont la matérialité se lie à la légèreté des espaces suggérés. Ses tableaux évoluent à partir d’esquisses qui mettent en jeu l’atelier, le corps et la main. Une fois l’œuvre terminée, il n’en reste souvent que des bribes. Son travail rappelle celui du chorégraphe, il détermine des gestes décentrés, « antihéroïques ». Par ce procédé, elle explore la dualité entre effacement et émergence.
Dans ses œuvres, Emmanuelle Castellan combine des aspects imprévisibles et contradictoires de la peinture à des formes fragiles voire précaires. A l’intérieur et à l’extérieur du cadre de ses tableaux, elle s’intéresse au corps, qui échappe à l’identification, voire la fuit. Sa peinture devient une présence changeante et instable.
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Philippe Lepeut
Art sonore, voix
Diplômé en Histoire de l’art contemporain et en Arts plastiques (Paris I, La Sorbonne), il enseigne à la HEAR à Strasbourg et est responsable de Sonorités avec Joachim Montessuis. Il est en outre le fondateur, en 2003, d’Écart production, structure de production et d’édition de vidéos d’artistes. Après des débuts tournés vers la peinture, ses travaux se sont orientés ensuite vers la photographie, la vidéo, et l’installation. Depuis 2003, l’espace public, la radiophonie, la plastique sonore, l’écriture et la lecture publique occupent une place grandissante dans ses recherches.
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Site internet - Association Ecart

Joachim Montessuis
Art sonore
Joachim Montessuis développe une pratique ouverte et contextuelle autour notamment de la voix, du son continu, du bruit et de la résonance depuis plus de 20 ans. Son travail se focalise aussi sur des processus conceptuels expérimentaux de mise en abîme de la question de l’observation et de la perception de la réalité à travers une approche non duelle. Il a montré son travail dans de nombreux contextes et festivals internationaux (plus de 200 performances et interventions) et a collaboré avec plus de 100 artistes (Charlemagne Palestine, Henri Chopin, Maja Ratkje, Master musiciens of Joujouka, Phill Niblock…). Il vit à Paris et dirige depuis 1993 le label d’art sonoreerratum.org.
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Anne Bertrand
Histoire des arts
Critique et historienne de l’art, Anne Bertrand, lauréate d’une bourse Fulbright en 2013, est docteur en Études anglophones et en Histoire de l’art, auteur en 2018 d’une thèse sur les écrits et propos du photographe américain Walker Evans, soutenue à l’université Paris Diderot-Paris 7.
Elle enseigne à la HEAR depuis 2007 la Théorie/Histoire des arts. De 2008 à 2013, elle est aussi chargée des éditions de l’école.
Son parcours professionnel l’a d’abord conduite dans l’édition et dans des musées d’art contemporain, parallèlement à une activité de critique et commissaire d’expositions.
Écrivant notamment dans art press et Trafic, elle est l’auteur des monographies Le Présent de Robert Frank (2009), Yves Chaudouët (2010) et Parade (2012, avec Hervé Gauville) ; la traductrice, avec l’auteur, de Jan Svenungsson, Écrire en tant qu’artiste (HEAR, 2012) ; ainsi que la directrice de publication de Tacita Dean, Écrits choisis 1992-2011 (ESADS, 2011), Walker Evans, Le Secret de la photographie (2017)/The Interview (2019) et Lewis Baltz, Textes (HEAR, 2019).

Fabrice Cazenave
Dessin
Fabrice Cazenave est un artiste contemporain français, pluridisciplinaire, venant du monde de la danse et dont le dessin est au centre de la pratique. Il explore les liens étroits qui opèrent entre un lieu, les personnes qui le traversent et les flux d’énergie qui en résultent. Il cherche à découvrir comment un environnement est capable de nous transformer à travers les sensations qu’il nous procure, et comment nos biais cognitifs, nos connaissances, nos croyances peuvent déformer nos perceptions et notre compréhension du monde. Sa démarche se fonde sur l’observation et l’expérimentation : par des procédés d’autohypnose, il entre en relation avec les éléments qui composent le paysage choisi pour tenter d’en déceler l’empreinte sensorielle, la persistance des corps sur la mémoire des lieux.
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Alexandra David
Performance, graphisme
Performant aussi bien dans un téléphérique que dans une maison de retraite, éditant des microéditions ou intervenant dans des magazines de kiosque à journaux, l’artiste Franco-Australienne développe un travail contextuel qui se veut à la fois perturbateur du quotidien et sans limites. Artiste, graphiste ou enseignante, elle explore matériaux, systèmes de pensée et techniques éclectiques. Elle contribue également avec La Maison d’Édition d’Idées à la publication de livres, revues, fanzines réalisés par des auteurs enfants.
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Didier Kiefer
Impression(s)
Né en 1964, plasticien, Didier Kiefer vit et travaille dans le parc régional des Vosges du Nord. Il est diplômé de la HEAR (alors École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg — DNSEP Art). Domaine de préoccupation principalement axé sur l’image imprimée, le son et l’image en mouvement. Par l’expérimentation et la recherche de procédés novateurs, cherche à perturber les processus classiques d’impression, de diffusion d’une estampe. « Changer le geste » pour situer résolument l’image imprimée dans le champ de l’art contemporain. Investit le grand format et présente généralement son travail sous forme d’installation. Occupe dans l’espace de la ruralité, un atelier qui associe la production d’oeuvres et leurs diffusions et un jardin référencé par le parc régional des Vosges du Nord comme jardin pour la biodiversité. P.E.A. (Professeur d’enseignement artistique), il se présente comme P.A.E. (Paysan artiste enseignant).

Lidwine Prolonge
Ecriture, performance
Temps différés, espaces distordus, perception modifiée : par le biais d’actions, performances, vidéos, installations et textes, la pratique artistique de Lidwine Prolonge travaille à créer des conditions pour troubler le rapport au réel. Pour prolonger ce trouble, s’organiser des vies parallèles est un leitmotiv : entreprises de type bureaucratique, frottement aux mondes du théâtre et de l’opéra, hypnose. La notion de responsabilité de l’artiste et la question de la réception sont centrales dans ce qu’elle convoque, dans ses pièces comme dans la transmission qu’elle opère.
Diplômée de l’université Marc Bloch de Strasbourg en 2003 (DEA) et de l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg – actuelle HEAR – en 2005 (DSNEP), elle suit de 2013 à 2015 le programme de 3e cycle 5/7 à la Villa Arson à Nice et enseigne à la HEAR depuis 2013.
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